Arte Queer: 11 capolavori storici da scoprire

Scoprire capolavori di arte queer è spesso difficile. Non sono tanti i musei nel mondo che danno spazio ad artisti LGBTQ e alle loro opere a tematica. Sono circa una decina e ci vuole un biglietto d’aereo per raggiungerli. A volte però i capolavori di certi artisti hanno destato l’interesse di grandi istituzioni museali, come il Tate Modern di Londra ed il Moma di New York. Le 11 opere che abbiamo selezionato sono di certo pochissime in confronto alla quantità di capolavori di arte queer che meritano di essere conosciuti. Abbiamo però voluto dedicare ad ognuna di queste opere una descrizione approfondita e regalarti questo piccolo tour virtuale alla scoperta di meravigliosi pezzi d’arte. Fai ora tap o click su Avanti. 11 capolavori storici Simeon Solomon – “Saffo ed Erinna in un giardino a Mitilene” (1864) Associato ai preraffaelliti, un gruppo di pittori inglesi noto per l’abbandono delle rigide regole dell’accademismo vittoriano e per il ritorno ai dettagli abbondanti, ai colori intensi e alle complesse composizioni dell'arte italiana del Quattrocento, Simeon Solomon (1840-1905) fu un artista gay che introdusse nelle sue opere numerose allusioni omoerotiche. “Saffo ed Erinna in un giardino a Mytilene”, acquarello su carta esposto al Tate Modern di Londra, invoca alla tradizione classica delle relazioni tra persone dello stesso sesso. Simeon Solomon fu condannato per sodomia secondo il Buggery Act allora vigente e trascorse diversi mesi in prigione. La vita per gli omosessuali nell’Inghilterra di quei tempi era molto difficile: le persecuzioni nei loro confronti rovinarono la loro esistenza. Quando Simeon Solomon uscì dal carcere, si diede all’alcolismo e morì per complicazioni legate alla sua dipendenza. Duncan Grant – “Bathing” (1911) “Bathing” dell’artista Duncan Grant, esposto attualmente al Tate Modern di Londra, fu pensato come parte di uno schema decorativo della sala da pranzo del Borough Polytechnic Institute, ora South Bank University, l’università pubblica situata nel borgo londinese di Southwark. Fu la prima opera dell’artista a ricevere un’ampia attenzione pubblica. Il tema era "Londra in vacanza" e Grant rispose dipingendo questo panorama idealizzato di sette nudi maschili che si immergono e nuotano. In Bathing, nonostante siano presenti sette nudi maschili, essi evocano il movimento continuo di una singola persona. Il dipinto di Grant è stato ispirato dai nudi maschili di Michelangelo e dalle estati trascorse al Serpentine di Hyde Park, un luogo associato alla cultura gay di Londra. “Bathing” fu considerato piuttosto controverso nel periodo in cui fu dipinto, a causa delle sue allusioni omoerotiche. Henry Scott Tuke – “A Bathing Group” (1914) Con uno stile improntato all'Impressionismo, Henry Scott Tuke è conosciuto soprattutto per i suoi dipinti di giovani uomini e ragazzi nudi, che gli hanno valso lo status di pioniere della cultura omosessuale e dell'arte queer. L’artista è stato, in particolare, riscoperto dalla prima generazione di collezionisti apertamente gay a partire dagli anni ‘70. Da allora in poi è diventato una specie di figura di culto nei circoli culturali LGBTQ. Furono pubblicate edizioni eleganti dei suoi lavori e le sue opere raggiunsero prezzi molto alti nelle vendite all’asta. Tuke dipinse qualche volta anche nudi femminili, ma di certo ebbero maggior successo quelli maschili. I ritratti di giovani nudi, pensati certamente anche per quel pubblico omosessuale che poteva trovare molto attraente le raffigurazioni di uomini nell’età della giovinezza, non sono mai apertamente erotici: i modelli vengono raramente mostrati in contatti fisici espliciti ed i genitali non si vedono. La maggior parte dei dipinti di Tuke vede rappresentati ragazzi nudi in posa in piedi o accovacciati sulla spiaggia di fronte al mare, visualizzandoli però sempre da un punto di vista prospettico posteriore, visti cioè di spalle. L'artista formò strette e durature amicizie con molti dei giovani che posavano per lui, tra cui il modello professionista Nicola Lucciani, conosciuto sulle spiagge della Toscana, ma non è stato mai stabilito con certezza se Tuke fu coinvolto sessualmente con qualcuno di loro. “A Bathing group”, olio su tela esposto alla Royal Academy of Arts di Londra, rappresenta proprio il modello Nicola Tucciani, venuto dall’Italia per posare per Tuke. Tuke ha messo Lucciani in una posa classica, come se fosse un dio greco, e lo dipinge con una grande espressività, con ampie pennellate, tipiche del suo stile. Christopher Wood – “Nude Boy in a Bedroom” (1930) “Nude Boy in a Bedroom”, olio su pannello di compensato di legno duro presente alla Scottish National gallery of Modern Art di Edinburgo, rappresenta Francis Rose, amante dell’artista Christopher Wood, visto posteriormente e in totale nudità all’interno di una camera di un hotel in Francia, che presenta un lavandino nel quale il soggetto sta per lavarsi. Le carte presenti sul letto sono chiaramente dei tarocchi che, secondo alcuni studiosi, rappresentano la bisessualità dell’artista, ritenuta da lui allora come incapacità di prendere un impegno, una decisione (a quel tempo Wood aveva una relazione con una donna). Le carte potrebbero anche simboleggiare l’incapacità di Wood di curarsi dalla dipendenza dall’oppio, nonché le sue insicurezze finanziarie. Altri dipinti di Christopher Wood sono chiaramente a tematica LGBTQ, come “portrait of Constant Lambert, Composer” (1927), che rappresenta un’icona gay di quel tempo. Francis Bacon – “Figures in a Landscape” (1956-7) Francis Bacon (1909-1992) è stato un pittore irlandese che ha lasciato un segno importante nella storia dell’arte. I suoi primi dipinti sono stati chiaramente influenzati dal cubismo e dal surrealismo, ma tra i riferimenti importanti ci sono anche Velazques, Rembrandt e Cimabue. Da giovanissimo fu mandato via di casa dal padre, dal temperamento iracondo e britannico. Il padre non accettò la sua omosessualità e a soli 16 anni Francis Bacon si dovette trasferire a Londra. Qui visse dai parenti della madre ed ebbe modo di vivere in maniera più libera il suo orientamento sessuale, inserendosi presto nei circoli omosessuali londinesi. Le frequentazioni di Bacon gli diedero modo di esprimersi in tutta la sua eccentricità e gli permisero di vivere piuttosto liberamente la sua omosessualità, nonostante in Inghilterra a quei tempi fosse ancora considerata un crimine. “Figures in a Landscape”, olio su tela esposto al Birmingham Museums and Art Gallery, rappresenta un’immagine cruda e scomoda, dipinta con pennellate aggressive. Presumibilmente il soggetto è un maschio, nudo ed in posizione contorta, quasi fosse un gargoyle. Si trova in un ambiente esterno fitto d’ombre. I dettagli diventano sempre più astratti quando spostiamo lo sguardo sempre di più verso il basso. Già dal titolo però capiamo che non c’è solo un soggetto e viene naturale associare la rappresentazione a qualcosa di sessuale, di omoerotico. Ma è veramente così? Nessuno lo saprà mai. Di certo Francis Bacon ha voluto lasciare dei messaggi in codice, di valenza piuttosto politica, in un periodo pre-depenalizzazione dell’omosessualità nel Regno Unito. Keith Vaughan – “Three Figures” (1960-1) Keith Vaughan fu un’artista che fece coming out come omosessuale un anno prima della decriminalizzazione dell’omosessualità nel Regno Unito. Ebbe una storia lunga oltre 30 anni con il suo partner Ramsay McClure. Tuttavia, quella di Vaughan fu una vita piuttosto travagliata, che conosciamo in gran parte dai suoi diari, gli ultimi dei quali scritti sotto effetto di farmaci e droghe prima del suo suicidio nel 1977. Quelli che Vaughan ci ha lasciato sono dei capolavori dell’arte queer. La nozione di "amore greco" per descrivere i costumi, le pratiche e l’omoeroetismo degli antichi greci ha permesso agli artisti come lui di esplorare l'amore maschile e omosessuale nel loro lavoro, senza timore di persecuzioni. Vaughan ha usato il paesaggio greco e le scene mitologiche per parlare del suo orientamento sessuale e delle sue lotte personali. In età più matura il lavoro di Vaughan si è spostato sempre di più verso l’astrazione, prediligendo sempre il tema del nudo maschile nel contesto paesaggistico. “Three Figures” (1960-1), olio su tavola presente alla Abbot Hall Art Gallery (Kendal, Cumbria), rappresenta il tipico approccio di Vaughan al disegno di figure in gruppo. I soggetti sono dipinti in location non chiare e la mancanza di dettagli definiti rende impossibile identificarli, capire di che classe sociale sono e che lavoro fanno. Di sicuro, il genere sessuale delle tre figure è molto probabile che sia maschile. La stretta vicinanza tra loro e il contrasto tra la nudità dell'uomo con le spalle verso di noi e gli altri due uomini potrebbe suggerire che si tratti di un incontro erotico. Eppure la composizione rimane volutamente enigmatica. David Hockney – “Domestic Scene” (1963) David Hockney fu uno dei pittori che più in assoluto introdusse nei suoi dipinti allusioni alla sua omosessualità, seppur a quei tempi le relazioni tra persone dello stesso sesso fossero illegali nel Regno Unito. Hockney fu un artista che condusse la sua vita come un uomo apertamente gay in un mondo sistematicamente mise a tacere coloro che non si conformavano all’eteronormatività. Da gay dipingeva, quindi, sé stesso, creando effettivamente arte queer, ma cercando di non dare troppo nell’occhio. Fu una mossa geniale e un bel dito medio nei confronti di una società che stigmatizzava e condannava gli omosessuali. Nei suoi Love Paintings celebrava l’amore omosessuale inserendo elementi fallici ad immagini fantasiose. Nel tempo il suo atteggiamento divenne sempre più ribelle, irriverente e si trasferì a Los Angeles, dove la scena LGBTQ era molto più aperta e piena di possibilità per giovani artisti. Iniziò a dipingere uomini che dormivano vicino, uscivano ed entravano dalle piscine, uomini nudi che facevano la doccia insieme e soggetti di orientamento sessuale gay che andavano in giro vivendo tranquillamente la loro vita. “Domestic Scene” è un olio su tela del 1963 che appartiene ora ad una collezione privata. David Wojnarowicz, “Arthur Rimbaud in New York” (1987) Tra i capolavori di arte queer più intense ed incandescenti ci sono quelli sicuramente di David Wojnarowicz, pittore, fotografo, scrittore ed attivista per i diritti delle persone affette da AIDS che si inserisce nel solco di una tradizione consolidata di artisti ribelli e visionari degli anni ’70 e ’80. Le sue opere sono feroci critiche contro la società, il conformismo, il materialismo e l’omologazione. Attraverso le sue creazioni artistiche (fotografie, performance e installazioni) esplora, come viene ben riassunto dalla descrizione dell’autore nel sito di Palazzo Grassi, “la dimensione personale e politica dell’AIDS con toccante chiarezza, usando la malattia, che nel frattempo ha contratto, come stimolo per far sentire la propria voce e sottolineando il ruolo dell’artista come figura pubblica”. Il suo lavoro di artista outsider, fortemente svincolato dalla cultura tradizionale, è stato messo in mostra in diverse istituzioni in tutto il mondo, tra cui P·P·O·W a New York (2011) e Supportico Lopez a Berlino (2009). David Wojnarowicz muore a New York nel 1992, all’età di trentasette anni. “Arthur Rimbaud a New York” è una delle poche, ma più potenti incursioni di David Wojnarowicz nella fotografia. Wojnarowicz utilizza la figura del poeta maledetto come l'unico modo per un artista di intervenire nella realtà, raccontare la propria vita ed il suo rapporto emotivo con New York della fine degli anni '70. L'artista scatta fotografie ad alcuni amici che hanno indosso una maschera a grandezza naturale del poeta francese Arthur Rimbaud: attraverso queste immagini vuole evidenziare i paralleli della vita di Rimbaud con le loro, fatte di violenze subite nella giovinezza, nella sensazione di libertà negate, della loro omosessualità e del desiderio di vivere lontano dall’ambiente borghese nel quale sono nati. ACT UP (Gran Fury) – “Baciare non uccide: avarità e indifferenza lo fanno” (1988) ACT-UP (AIDS Coalition to Unleash Power, ovvero Coalizione AIDS per scatenare il potere) è un'organizzazione internazionale ad azione diretta, impegnata a richiamare l'attenzione sulle vite dei malati di AIDS e sulla relativa e possibile pandemia, per condurre a legislazioni, ricerche e trattamenti medici che portino alla fine della malattia, mitigando la perdita di vite e salute umane. È stata fondata a New York nel marzo 1987 ed inizialmente gli organizzatori si riunivano settimanalmente per organizzare atti di disobbedienza civile col fine di portare l'attenzione sulla crisi dell'HIV / AIDS. Come mezzo utilizzavano spesso delle grafiche attaccate ai loro corpi o tenute come cartelli durante le dimostrazioni, oppure indossate come magliette o adesivi. Alcuni membri di ACT-UP nel 1988 hanno creato il collettivo Gran Fury, auto-descritto come "una banda di individui uniti dalla rabbia e dediti a sfruttare il potere dell'arte per porre fine alla crisi dell'AIDS". Il collettivo Gran Fury ha realizzato vere e proprie opere d'arte pubbliche che, ad un occhio poco attento, sembravano essere semplici pubblicità commerciali. Guardandole meglio ci si rendeva conto che c'era un importante messaggio politico di sottofondo. Le loro grafiche hanno contribuito ad alleviare la crisi dell'AIDS grazie alla diffusione di informazioni sul sesso sicuro e lanciando messaggi a quei politici responsabili delle inadeguate misure contro l’epidemia. Imitando l'aspetto di una campagna pubblicitaria di United Colors of Benetton, Gran Fury ha fotografato tre giovani coppie interrazziali alla moda che si baciano e ha completato le loro immagini con la didascalia: “BACIARE NON UCCIDE: AVARITÀ E INDIFFERENZA LO FANNO”. Untitled (Beds) - Gonzalez-Torres (1991) L'arte queer, che fa riferimento al corpo sottolineando la sua assenza, ha una particolare risonanza nel contesto della crisi dell'AIDS degli anni Ottanta ed inizio Novanta. Untitled (Beds) di Gonzalez-Torres mescola un punto di vista intensamente personale con associazioni universali di comfort e intimità. Sei fotografie in bianco e nero del letto matrimoniale vuoto dell'artista sono state pubblicate come cartelloni pubblicitari ed esposte in tutta Manhattan, Brooklyn e nel Queens nell'inverno del 1991. Nessun testo, nessuna didascalia e nessuna spiegazione. Le opere invitano semplicemente gli spettatori a soffermarsi e a guardare. La qualità introspettiva è in contrasto con il modo in cui si consumano tipicamente i media nella sfera pubblica urbana. All'inizio degli anni '90, mentre l'AIDS stava devastando la comunità gay, questa opera di Gonzales-Torres fu particolarmente toccante. Inoltre fu messa in mostra in concomitanza con la morte del compagno dell’artista, che se andò nel gennaio del 1991 per complicazioni dovute all'AIDS. Le fotografie di Gonzales Torres vengono attualmente esposte in grandi istituzioni museali, come il Moma di New York. Cathering Opie – “Being and having” (1991) Catherine Opie è una fotografa d’arte americana che attraverso il suo attivismo e la sua identità di lesbica ha dato forma alla sua pratica artistica. Le sue fotografie esplorano, in particolar modo, i concetti di comunità ed identità. Opie è stata conosciuta per la prima volta con “Being and having” (1991) e “Portraits” (1993-1997), che ritraggono le comunità queer di Los Angeles e San Francisco. “Being and having”, in particolare, guarda alla rappresentazione esteriore della mascolinità ed è un riferimento alla ritrattistica dei Maestri Antichi del XVII secolo. In questa serie fotografica Opie mostra i suoi amici intimi della comunità LGBTQ + della West Coast che sfoggiano baffi falsi, tatuaggi e altri accessori maschili stereotipati.

Molte di queste opere sono state esposte nei più importanti musei del mondo

David Hockney – “Domestic Scene” (1963)

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